Espliego - Nunca Fuera Caballero

Con este disco el grupo Espliego pretende recrear las canciones y poemas que cantan o recitan los personajes de las dos partes del Quijote tratando de ser lo más fieles posible al espíritu de la novela y buscando algún que otro eco de la música de la época; se han utilizado los instrumentos mencionados en la obra (rabel, laúd, vihuela, arpa, guitarra, flautas...), algunos poemas se han adaptado, en la medida de nuestras posibilidades, a formas y estilos musicales del siglo XVII, otros han recibido un tratamiento más actual de forma que el resultado sea un disco de poesía musicada con aires renacentistas-barrocos en el que se han tenido más en cuenta los sentimientos y los contenidos de los poemas-canciones musicados que la técnica musical de la época.

En una primera fase del proyectó se buscó el asesoramiento y la colaboración de especialistas de la época, tanto en el aspecto musical como en el literario (Juan José Pastor y Matías Barchino, profesores de la Universidad de Castilla la Mancha) para que el trabajo tuviera una sólida base. Se realizó una inversión importante en la adquisición de instrumentos propios de la época (vihuela, laúd renacentista, instrumentos de percusión...), se escuchó mucha música del tiempo de Cervantes y el grupo se puso manos a la obra.

Con vistas a dar mayor verosimilitud a esa recreación de los diferentes momentos musicales y poéticos se buscó (y se consiguió) que cada personaje de los que cantan o recitan en la novela estuviese “representado” por una voz distinta, para lo que se pidió la colaboración de cantantes que en alguna ocasión han puesto su voz al servicio de la poesía, concretamente respondieron a nuestra llamada Amancio Prada, Joaquín Díaz, Luis Pastor y Maite Dono, a cada uno de ellos y a los vocalistas del grupo se les asignó un personaje distinto buscando la adecuación de sus estilos y formas de cantar a la personalidad de los personajes de la novela. Se pidió asimismo la colaboración de otros músicos, grupos de música folk y renacentista, una agrupación coral...Todo lo cual, creemos, ha dado como resultado un disco variado y rico musicalmente en consonancia con la riqueza y variedad literaria del Quijote. http://www.espliego.es/discografia.htm



1 Nunca Fuera Caballero 3:33
2 Yo Sé Olalla 6:30
3 Canción Desesperada 7:01
4 O Le Falta Al Amor Conocimiento 2:35
5 Árboles, Yerbas Y Plantas 2:53
6 ¿Duién Menoscaba Mis Bienes? 3:32 
7 Es De Vidrio La Mujer 1:38 
8 Marinero Soy De Amor 1:34
9 Dulce Esperanza Mía 3:15 
10 A Rocinante 2:10 
11 Danza De Las Bodas De Camacho (El Villano) 2:12
12 Yo Soy Merlin 5:52 
13 ¡Oh, Tú, Que Estás En Tu Lecho! 4:10
14 Suelen Las Fuerzas De Amor 2:48
15 Amor, Cuando Yo Pienso 2:23 
16 Vivir Loco Y Morir Cuerdo 3:41

Värttinä - Musta Lindu (1989) [Finlandia]

Värttinä se promociona como un remoto antepasado de "New Folk finlandés." Los orígenes de Värttinä se remontan a 1983 en el pueblo de Rääkkylä, en Karelia, la región del sudeste de Finlandia, como el proyecto de cantantes y actores Kantele Sari y Mari Kaasinen. La idea era formar un grupo de jóvenes a recitar poesía Carelia , cantar y tocar kantele. El interés y la apreciación en el grupo creció hasta el punto de que muchos más jóvenes querían unirse, y lo hicieron! El resultado fue un grupo de 21 miembros, jugando y cantando la canción popular tradicional de Carelia. Más tarde, un objetivo común emergió: explorar y revivir Carelia / ugrofinesa tradición musical y descubrir formas nuevas y más emocionantes de la organización y la realización.

El original Värttinä line-up, con el sonido distintivo de quince niñas cantando y tocando kantele (el instrumento nacional de Finlandia), además de seis jóvenes les acompañan con la guitarra acústica, bajo acústico, violín, acordeón, saxofón, tin whistle y la flauta hecha dos grabaciones Värttinä (1987) y Musta Lindu (1989), cada uno abriendo nuevos territorios en el campo de la música popular finlandesa.



 "Sorja poika" / "Pretty Boy" (traditional / Sari Kaasinen) – 2:58
   "Musta lindu" / "Black Bird" (trad. / S. Kaasinen) – 3:02
   "Itku" / "Weep" (S. Kaasinen) – 5:11
   "Ui ui" / "Oh..." (trad. / S.Kaasinen) – 2:37
   "Täst' se lähti toinen tahti" / "The Second Beat" (trad. / S. Kaasinen) – 4:59
   "Vot i kaalina" (trad. / S. Kaasinen) – 1:47
   "Kadrilli" / "Quatrille" (trad. / S. Kaasinen) – 3:08
   "Ämmät" / "Old Wives" (trad. / S. Kaasinen) – 2:33
   "Kylä vuotti uuttaa kuuta" / "Waiting For The New Moon" (trad. / S. Kaasinen) – 4:59
   "Loitsu" / "Spell" (Värttinä boys) – 0:58
   "Ruskie neitsyt" / "Brown-haired Maiden" (trad. / S. Kaasinen) – 2:22
   "Ruskoi reggae" (trad. / S. Kaasinen) – 3:15
   "Ankaralaisen turistin maahanpanopolkka" / "Funeral Polka of an Ankaran Tourist" (trad. / S. Kaasinen) – 2:12

Alasdair Fraser & Tony McManus - Return to Kintail

Master Scottish fiddler Alasdair Fraser and Tony McManus, one of the most admired guitarists on the Celtic scene, unite their creative forces in a partnership of incredible musical power and beauty. Drawing from deep wells of tradition and technical prowess, they explore the rich range of Scottish music, from the pipe tunes and song airs of the Highlands to the music of Scotland's noted fiddler/composers such as Marshall, Skinner, and the Gows. The duo flows from the intimate and subtle nuances of a poignant Gaelic lament to a no-holds-barred fiddle flurry of strathspeys and reels, captivating audiences wherever they perform.

Critics and crowds have been raving since Tony joined Alasdair on stage for a seat-of-the-pants concert cum jam session in Glasgow, Scotland in November 1996. Since then, the duo has performed at major festivals in Australia, Denmark, Canada, the United States and Scotland. Their eagerly-awaited debut album, Return to Kintail, was released by Culburnie Records in 1999.

"Talk about a dream team: The fiddler regarded by many as the finest current exponent of the Scots tradition, paired with the Paisley-born guitarist who's melodic and rhythmic artistry has been setting audiences afire around the world."


1. Bidh Clann Ulaidh (Men of Ulster)
2. Ross' Reel no.4 / Reichswall Forest (Dan R. MacDonald)
3. Roslin Castle / Miss Gordon of Gight (Isaac Cooper)
4. The Marquis of Huntly (William Marshall) / The Ewie wi' the Crooked Horn / John Cheap the Chapman (Nathaniel Gow) / Peerie Weerie / The West Mabou Reel
5. Calum Sgaire A traditional Gaelic song air to which Alasdair has added a second part.
6. Donald Willie and his Dog (Donald Morrison) / Alex MacDonald (Norman MacDonald) / Chloe's Passion (Dr Angus MacDonald)
7. Lady Louisa Gordon's Strathspey (William Marshall) / The Highlands of Banffshire / The Merrymaking
8. Seathan / Na Goisidich (The Gossips) (Allan MacDonald)
9. Sitting in the Stern of a Boat
This air was composed by the Rev. William MacLeod as he sailed from his native Bracadale on the Isle of Skye to take up a parish in Argyllshire.
10. A Mhaighdean Mhara (The Mermaid)
11. Lieutenant Maguire's Jig / The Curlew (Donald MacPherson) / Sleepy Maggie / Tail Toddle
12. The Sweetness of Mary (Joan MacDonald Boes) / Devil in the Kitchen / Willie Davie / The Sound of Mull / The High Road to Linton The late Joan MacDonald Boes was a fine pianist and composer in the Cape Breton style. She was the accompanist for the Five MacDonalds, a fiddle group in Detroit of which the aforementioned Dan R. MacDonald was a member. 13. Theidh mi Dhachaigh (Return to Kintail) "Theidh mi dhachaigh chro Chinn t-Saile" (I will go home to the cattle-fold of Kintail). The song may have been composed by a soldier who was wounded at the Battle of Sheriffmuir.

Basya Schechter - Songs Of Wonder [2011]

Basya Schechter, lead singer of Pharaoh's Daughter, devotes this solo album to her musical settings of the Yiddish poetry of Rabbi Abraham Joshua Heschel. As translated into English in the CD booklet, Heschel's writing combines religious fervor and romantic yearnings in simple, but heightened poetic language.

Schechter's music is in the hybrid combination of Western folk-rock and traditional Eastern and Middle Eastern folk that she has pioneered, on her own and with her group. Her own singing and oud and saz playing are accompanied by a basic unit that includes string players Megan Gould (violin, viola), Yoed Nir (cello), and Kyle Sanna (acoustic and electric guitars, Dobro), plus keyboardist Uri Sharlin, percussionist Rich Stein, and horn players Albert Leusink (flügelhorn) and Frank London (trumpet).

Other guest musicians join in, but the listed instruments suggest the mixture, with elements of chamber music and even pop/rock joining the ethnic strains. London has a jazzy solo in the leadoff track, "At Dusk: D." The romantic "To a Lady in a Dream" combines oud and violin over a Middle Eastern dance rhythm. The pastoral "Snow on the Fields" and "From Your Hands" are slow pieces emphasizing the chamber instruments and piano.

For some Western folk listeners, some of the music, notably that for "My Seal," will recall the early albums of Leonard Cohen, who favored some of these same instruments. "My Song," another dance tune, is the most traditional sounding Yiddish music number, while the closer, "Youngest Desire," almost counts as a rocker, complete with electric guitar solo. Throughout, Schechter's lovely voice navigates the Yiddish words feelingly, making this an affecting work, even for those who don't understand the language.


1. At Dusk: D 
2. Palaces In Time
3. I And You
4. To A Lady In A Dream 
5. Snow On The Fields
6. From Your Hands
7. My Seal
8. Tshuvah
9. My Song
10. Youngest Desire

Alizbar - Metamorphoses of Ann (2007)

Alizbar's magical and soothing harp takes you to a world of Scandinavian Celtic tales. His universe is very near of Caprice's one, the 2 Russian bands are very tight. Alizbar music speaks without words, it touches directly your heart to deliver messages of beauty. Prikosnovenie has been astonished by the virtuosity of this Moldavian artist, his music is Beauty, Grace and Faeryesque. Fans of Celtic music, Fairy worlds and relaxation discover the enormous talent of Alizbar!





01. The island (3:59)
02. Last fallen leaf (3:32)
03. Myth about dumb innkeeper (2:11)
04. Out of time fairy-tale (3:29)
05. Metamorphoses of Ann' (3:59)
06. Waltz on the branches (4:28)
07. Fairy of melted snow (2:47)
08. Merry-go-round of doubts (3:17)
09. Clo's dreams (3:08)
10. Gleam in angel's eye-drop (3:40)
11. Unexpected mirth (3:58)
12. Dwarves' songs in hobbit's hole (2:42)
13. Nocturne (2:46)
14. Ainur's dialog (3:04)

Realejo - Cenarios (1998) [Portugal]

«Confesso os meus receios: que dizer de algo que foi criado para ser ouvido? Que aqui e agora se procura dar presença máxima às raízes, procurando antecipar a razão de ser do futuro, (re)criando no presente uma música cuja razão de ser é vida e emoção cultural? Ou que são fragmentos culturais de uma memória colectiva não raro adormecida e não menos raro menosprezada? Não isto já todos sabem e nada acrescenta à audição destes "Cenários", do Realejo!

Já sei: avanço pela questão da autenticidade expressiva que dimana de cada composição, com uma originalidade assente na variedade dos estilos musicais aqui soberbamente ilustrados ou sugeridos. Pois, mas já todos sabemos que os cânones tradicionais não podem (nem devem!) ser encarados como algo de estático, parado num tempo determinado, mas sim como expressão de mutações permanentes, de enriquecimentos constantes no diálogo com outros povos e outras culturas. Mas, assim colocadas as coisas, uma vez mais a sensação de estar a limitar-se a simples constatações!

No entanto, uma coisa é certa: com a música do Realejo, a (re)criação inspira-se e alicerça-se nos elementos significantes do nosso legado tradicional, sem menosprezar as pressões estéticas da modernidade, mas de uma contemporaneidade expressiva de tal modo enraizada que as novas composições parecem emergir do mais profundo da nossa mais autêntica tradição. Aqui chegados, dirão alguns: pois, a velha questão da identidade!... Claro que sim, a "velha" questão da identidade, mas não de uma identidade abstracta e criada em vácuo formalista mas sim num contexto de amplas interacções influentes. Tanto mais que nenhuma cultura pode reclamar como própria uma música desligada do intercâmbio e do diálogo com as expressões musicais de outros povos. E é tudo uma questão de equilíbrio expressivo, direi. Mas isso é mais que evidente e nada de original, dirão outros, invocando Nettl: trata-se de um equilíbrio entre a ideia da música tradicional como fenómeno nacional ou regional e o conceito de música folclórica como um tipo de música supranacional.

Embora a música do Realejo se inscreva no contexto das eurofonias tradicionais e de inspiração tradicinal, nunca é de mais reconhecê-lo em termos culturais. Recordo um concerto do Realejo nos palcos Intercélticos: da memória dos sons da surpresa parte hoje para a alegria da (re)criação dos sons da cultura. Mais do que um grupo, o Realejo afirma-se hoje como um verdadeiro projecto cultural. E é aqui que as palavras de revelam de todo inúteis. E porque esta música é acima de tudo emoção da vida, que cesse a crónica e se renove em cada audição o sortilégio da nossa própria (re)descoberta.» (Mário Correia, 1998)



 1. Amanhecer (Amadeu Magalhães)
2. Music for a Found Harmonium (Simon Jeffes)
3. Bendito das Trovoadas (Tradicional – Beira Baixa)
4. Maragato Son (Tradicional – Paradela, Miranda do Douro)
5. Cenários I (Nau Trevairs, Rondeau – tradicional de Gers; Polka de Force Majeure – Patrick Couton; Polka Piquée d’Allard – tradicional; Rondeau du Savès – tradicional de Gers)
6. Quiçá (Amadeu Magalhães)
7. São Gonçalo de Amarante (Tradicional – Douro Litoral)
8. Cantiga de Realejo (Amadeu Magalhães)
9. Deus te salve, ó Rosa (Tradicional – Aljezur, Algarve)
10. Nunca me canso (Amadeu Magalhães)
11. Final de Inverno (Amadeu Magalhães)
12. Tornelinho (Amadeu Magalhães)
13. Cenários II (Moda de Harmónio – Carregal Fundeiro, Castanheira de Pêra; Frei João – Ilha da Madeira; Escumalha – Moinho da Mata, Montemor-o-Velho)

Recolhas: Michel Giacometti ("Bendito das Trovoadas" e "Maragato Son"), César das Neves e Gualdino de Campos ("São Gonçalo de Amarante"), Fernando Meirelles ("Moda de Harmónio"), Xarabanda ("Frei João") e Júlio Gomes ("Escumalha")

Realejo:
Fernando Meireles – sanfonas, cavaquinhos, bandolim, trancanholas e percussões
Amadeu Magalhães – concertina, gaita-de-foles, flautas, viola braguesa, cavaquinhos, bandolim, bandola, guitarra, sarronca, trancanholas e percussões
Ofélia Ribeiro – violoncelo
Miguel Areia – violino
José Nunes – guitarras e bandolim

Arranjos – Amadeu Magalhães

Gravado nos Estúdios Namouche, Lisboa, por João Pedro de Castro
Misturado nos Estúdios Êxito, por Dominique Borde
Masterizado nos Estúdios Edit, por Dominique Borde e Joaquim Monte

Fotografia do grupo – Miguel Ramos
Fotos e pormenores dos instrumentos – Carlos Barata
Design gráfico e tratamento de imagens em computador – Dupla

Fuente

Hedningarna - Kaksi! (1992) [Finlandia]

1991 es el año en que comienza a solidificarse su entidad como grupo. El sello Silence, dedicado principalmente a la música folk sueca les contrata para editar su segundo álbum en 1992 titulado Kaksi! (Dos, en finlandés). Es entonces cuando entran en escena las cantantes finlandesas Sanna Kurki-Suonio y Tellu Paulasto, quienes confieren al grupo un sonido vocal adecuado para su propuesta sonora. Ambas, educadas en el canto tradicional de la región rusa (antes finlandesa) de Karelia, despliegan una maestría a la hora de cantar aportando al grupo ese vínculo con lo ancestral que siempre había buscado. Muchas de las canciones tradicionales provienen de Karelia y están relacionadas con antiguas leyendas finlandesas cuyas trazas se remontan a la tradición del Kalevala o canto rúnico (del finlandés runo, "canto"). De ahí, el título en lengua finlandesa de su segundo trabajo. Kaksi! supone un hito musical en ese momento, dándose a conocer a través de los medios por el llamado "fenómeno Hedningarna". Este trabajo, con temas de ritmo trepidante les hará merecedores de un Grammy sueco al año siguiente (1993) por el mejor disco folk del año. Posteriormente, el quinteto va peregrinando por diversos festivales como el de Roskilde cosechando un éxito arrollador pese a la pequeñez del escenario y la poca afluencia de público.
Wikipedia..



01. Juopolle Joutunut
02. Kruspolska
03. Vottikaalina
04. Chicago
05. Viktorin
06. Aivoton
07. Fulvalsen
08. Pål-Karl
09. Kaivonkansi
10. Skamgreppet
11. Grodan/Widergrenen
12. Omas Ludvig
13. Kings Selma

Palya Bea - Álom-álom, kitalálom [Hungria] (2004)

Para Palya Bea la música folclórica húngara ha sido una experiencia decisiva desde su infancia. Ella escribió una vez: "Como músico y como bailarina he estado anhelando, tal vez ya en el vientre de mi madre, que estaba en sintonía con sus latidos, para un cierto conocimiento sobre los ritmos en mi cuerpo, en mi voz, para mejorarlos, y utilizarlos de manera creativa".
http://palyabea.hu/en/bio

Chen Min - I Wish [China]

Chen Min Nacio en Suzhou en la provincia de Jiangsu, aprendio a tocar el erhu con su padre a la edad de seis años, y se mudó a Japón en 1991 para estudiar la cultura japonésa.
Después de su graduación ella comienza oficialmente su carrera como artista intérprete del Erhu. Su primer album "I Wish", comenzó con la tendencia de la música china y el boom del erhu.
En el año 2003, recibió el premio especial de los "17th Annual Japan Gold Disk Awards".

Chen Min toca el Erhu un instrumento chino de dos cuerdas similar a un violín. La música es una mezcla maravillosa de este fabuloso instrumento de cuerda y los instrumentos occidentales como el piano, la guitarra, el violín, el violonchelo, el contrabajo, la percusión, etc, La música de Chen Min une la elegancia oriental y la occidental.

Chen Min toca el Erhu con habilidad y pasión. Se siente como si el artista y el instrumento sean uno.  escuchando el album se podría pensar que ella ha llegado a los límites de su instrumento. pero con una habilidad pasmosa, te sorprendera porque te llevará a un nivel completamente nuevo. Creo que hace con el Erhu lo que Yo Yo Ma hace con el violonchelo.Su música es increible y maravillosa.

1     Tsubame Ni Naritai 4:26    
2     KizunaChen 4:43    
3     Nisen Eigetsu 6:05    
4     Konan No Kaze 5:42    
5     Namino Kanatani 4:29    
6     The Eternal Vow 3:13    
7     Asian Waltz 3:33    
8     Hatenaki Omoi 4:31    
9     Tsubame Ni Naritai 5:08

Garmarna - Hildegard von Bingen

Garmarna es el nombre de un grupo de música folk sueco.

Sus inicios se remontan a 1990, cuando tres adolescentes de Sundsvall, Gotte Ringqvist, Stefan Brisland-Ferner y Rickard Westman, decidieron montar una banda tras quedar impresionados por el montaje musical de la obra "[Hamlet]".

Dos años más tarde, habían conseguido cierta popularidad local y decidieron probar suerte en el festival de música folk de Umeå (donde volverían a partircipar nuevamente varios años después). Consiguieron llamar la atención de un reportero radiofónico que les invitó al festival de Hultsfred.Con motivo de su participación en este festival de música rock, se unió al grupo el batería Jens Höglin. En la noche de agosto de su actuación, consiguieron atraer no sólo la atención de la que sería más tarde su vocalista Emma Härdelin, sino también de Mats Hammerman, presidente de la discográfica Massproduktion, que les ofreció un contrato el mismo día.
Su primer disco fue publicado a principios de 1993, y se tituló "Garmarna". Recibió buenas críticas, por lo que se realizó una gira por todo el país. A finales de ese mismo año se comenzó a trabajar en un nuevo disco, que sería publicado el 18 de abril de 1994 bajo el título "Vittrad". Dicho álbum supuso un nuevo éxito, lo que les permitió continuar con su gira por toda Suecia e, incluso, por Alemania.

Drew Miller (bajista estadounidense del grupo Boiled In Lean) se hace con una copia de dicho álbum durante el verano de 1994 y decide publicarlo en su país, así como en Canadá. Dicho disco (cuya versión en inglés fue "Crumbling Away") supuso el primer viaje de la banda a los Estados Unidos en marzo de 1995, para luego continuar con su gira por Finlandia, Alemania y Noruega.

El éxito de la banda es tal, que la productora Massproduktion proyecta la publicación del disco en Alemania, Austria, Suiza, los países del Benelux y algunos estados asiáticos.Tras su gira alemana, se publica "Guds Spelemän" a finales del mes de febrero de 1996. Recibió nuevamente unas críticas inmejorables, y más tarde recibiría el Premio Al Mejor Álbum de Música Folk. Su versión en inglés, "Fiddlers of God" se publicaría en varios países europeos, así como Taiwán, Corea del Sur y Japón.

Al año siguiente, la banda participó en el Melodifestivalen 1997 con un tema compuesto por Mats Wester y Py Bäckman. Su participación fue cuestionada, debido al carácter comercial de este festival nacional, pero la banda supo presentar su canción ("En gång ska han gråta") con su toque especial.

El año 1998 se caracterizó por la elaboración de un nuevo álbum que, tras su tour estival, se retrasaría hasta el 5 de marzo de 1999 bajo el nombre de "Vedergällningen" En 2001 participaron en un álbum con versiones del legendario grupo punk-reggae Rasta Junden con el tema "Rastlös" y comenzaron a trabajar en su nuevo trabajo, "Hildegard von Bingen". Publicado a finales de abril, recibió nuevamente alabanzas por parte de críticos musicales suecos y del resto del continente.
Al año siguiente, realizaron una gira por toda Europa, Estados Unidos y Japón. En 2003, celebrando su décimo aniversario, comienzan a trabajar en un nuevo trabajo musical. Paralelamente, Emma, la solista del grupo, afianza su carrera en solitario con la publicación de varios trabajos con su propio grupo, más orientado al Folk tradicional y con más presencia de su voz. Dicho grupo se denomina Triakel. Cuyo primer disco ve la luz en el año 2002.
http://es.wikipedia.org/wiki/Garmarna

Värttinä - Aitara

Estas mujeres de tez blanquecina probablemente sean el elemento más exótico de un verano musical que apuesta por los trópicos. Representan la nueva ola de Finlandia, un país independiente desde hace menos de un siglo, de cuyos habitantes se dice que son los latinos de Escandinavia. A partir de las tradiciones de unas tierras cercanas al círculo polar, el grupo Värttinä ha logrado crear una música original y apasionada.

Värttinä, cuyo disco, Aitara, ocupó durante meses las listas europeas de música étnica. Värttinä, vieja palabra que designa el huso de una rueca "tiene que ver con la mujer y va bien con la música que hacemos, que gira muy rápido", dicen riendo, se fundó hará unos doce años en un pueblecito de Karelia. "Unas chicas se reunían para leer poemas y cantar canciones tradicionales. Más adelante pidieron a varios instrumentistas que les acompañaran", cuenta Sirpa Reiman, una de las cuatro vocalistas del grupo. "De acuerdo con las costumbres de hace cien años o más, mujeres y hombres solían cantar por separado. Las canciones cumplían una función, social. Las mujeres cantaban mientras lavaban la ropa y los hombres no se ocupaban de las tareas domésticas. Desde entonces las cosas han cambiado mucho", explica el violinista Kari Reiman. "Aquello tenía que ver con nuestra tradición del Kalevala, un tipo de poesía y una manera de contar historias, de instrumentos como el kantele [una especie de arpa de cinco cuerdas] y escalas pentatónicas, que, bajo el dominio de los suecos, se mantuvo tan solo en Karelia".

En cada entrevista surge inevitablemente el nombre de Karelia. Y les toca dar una clase de geografía e historia. Se lo toman con buen humor. "Es una región al este de Finlandia. Tras la Segunda Guerra Mundial, se trazaron nuevos límites, y una parte de ella, la más extensa, quedó dentro del territorio de la Unión Soviética. Pero la gente mantuvo su idioma. Ahora que la frontera está abierta, estamos más, en contacto unos con otros.

De Karelia viene esa extraña forma de cantar que Värttinä está llevando por el mundo. "Sari, la fundadora, quería que las chicas cantasen alto y fuerte y así precisamente cantaban las mujeres antaño. Estamos marcadas por voces como las búlgaras, por el setu estonio [armonías disonantes con intervalos de segunda y cuarta] o el róntyska ingrio [que se canta al unísono]. Finlandia ocupa una posición privilegiada, porque tenemos influencias de Oriente, de Occidente y del Sur".
http://elpais.com/diario/1995/07/02/madrid/804684261_850215.html

 

Las Hermanas Caronni - BAGUALA DE LA SIESTA [Argentina]

Una es Laura, la otra es Gianna. Una toca el chelo y canta, la otra toca el clarinete y también canta. Juntas forman el dúo Las Hermanas Caronni. Son mellizas y nacieron en Suiza, donde sus padres se habían instalado poco antes de que las fuerzas armadas tomaran el poder en Argentina. Sin embargo, a un año y medio de edad fueron llevadas por sus padres, psicólogo él, médica ella, y ambos melómanos, a Argentina, donde la familia se instaló, en Rosario más precisamente, la ciudad de los progenitores. El árbol genealógico de las Caronni es un concentrado de Europa: un abuelo suizo italiano, y parte de la familia de origen ruso e irlandés.

“Los argentinos que vienen de Rosario o de Buenos Aires estamos cerca de un puerto y vivimos en una permanente nostalgia. De generación en generación estamos yendo y viniendo y un poco de eso es nuestra música”, explica Gianna Caronni. Tras ser diplomadas en Argentina y haber integrado conjuntos de música de cámara, orquestas y grupos de música tradicional, las hermanas Caronni se afincaron en la ciudad de Lyon, ambas becadas, en 1998 y, desde entonces, viven en Francia, en la ciudad de Burdeos.

"Un dúo como el nuestro -explica Laura- es como si uno debe hacer una pintura y sólo tiene blanco y negro, y eso te obliga a explorar todas las posibilidades que hay: yo uso el chelo como percusión, como contrabajo, como violín; Gianna canta, toca el clarinete y algunas percusiones. Tenemos que hacer una especie de construcción minimalista que nos lleva a buscar límites cada vez más lejanos".

Sobre sus grabaciones discográficas precisa Gianna: "en el primer disco prevalece mucho la música argentina y de inspiración latinoamericana. En el próximo reuniremos composiciones más cinematográficas, música para danza contemporánea, teatro y cortometrajes. Queremos que los discos tengan una unidad en sí".

“Nos miran como una rareza y lo somos. Siempre hemos cambiado, somos muy curiosas, no sé si eso es bueno o malo, y, en este caso, la curiosidad es inventar nuestra propia música, la cual es el resultado de lo que somos. Es honesto. No venimos del folclore pero lo conocemos, tenemos formación clásica y hemos hecho música del Renacimiento, hemos tocado con músicos de jazz, de rock o de músicas tradicionales”, concluye Gianna Caronni. Fuente

Pistas:

01.  Chelimbao
02.  Los Ejes De Mi Carreta
03.  El Jarrito
04.  Milonga Campera
05.  La Noche Llega
06.  Yuyo Verde
07.  Antigona
08.  Pollera Azul De Lino
09.  Nabraska
10.  Esta Cajita
11.  Galopando
12.  Chiche Pempe
13.  Baguala Da La Siesta

Tindra & Kroke - Live in Forde (2011)

Esta colaboración entre el popular trío noruego Tindra y Kroke, una de las bandas klezmer de Polonia, parecia poco probable. Pero, como muestra este disco en directo (grabado en 2010), funcionan. Esto es principalmente porque Kroke están contentos con el trabajo fuera de su zona de confort y en el mundo de la música tradicional noruega de Tindra. Tindra tiene un par de excelentes cantantes, especialmente Åshild Vetrhus, que armonizan espectacularmente bien, hay verdadera belleza en los arreglos, especialmente en el tema "For Alt Du Gav", que ofrece a los músicos de Kroke la oportunidad de brillar en la viola y acordeón con un poco de silencio, la brillantez emocional de "Fields Of Sorrow", también es gloriosamente atmosférica. Así que lo que parecía tan improbable resulta ser un matrimonio hecho en el cielo. Kroke no echan un vistazo en el lado explosivo y silvestre que han demostrado en otros CDs, pero la influencia klezmer es evidente  sobre todo en "Jovano Jovanke," por ejemplo, y en "Eddie" hay un sabor klezmer y un escaparate para el virtuosismo de Tomasz Kukurba que despega en territorio neo-rock con la viola eléctrica hacia el final. La culminación es la larga "Ajde ene," una colección de poemas atmosféricos musicados que crecen en la pasión durante la ejecución (donde Kukurba demuestra tener una impresionante voz). Deliciosamente amorfa, se agarra con el corazón y no lo deja ir, resolviendo a través de las voces femeninas para hacer una conclusión impresionante.
http://singout.org/2012/08/25/tindra-and-kroke-live-in-forde/

Kroke:
TOMASZ LATO - acoustic bass
JERZY BAWOL - accordion
TOMASZ KUKURBA - viola

Tindra:
Åshild Vetrhus - voice
Irene Tillung - accordion
Jorun Marie Kvernberg - violin

T with the Maggies - T with the Maggies (2010) [Irlanda]

T with the Maggies are Tríona & Maighread Ní Dhomhnaill, Mairéad Ní Mhaonaigh & Moya Brennan

In May 2007, a remarkable gathering of traditional Irish musicians and singers came together at Vicar Street in Dublin to celebrate the life and music of Mícheál Ó Domhnaill, who, with Skara Brae and The Bothy Band, had been a pioneering force in Irish music.

Among the many artists and groups coming together that evening was an evocative performance by four of Ireland’s finest female singers. Tríona and Maighread Ní Dhomhnaill (Míchaél’s two sisters, concert organisers and co-members of Skara Brae and The Bothy Band) were joined by Mairéad Ní Mhaonaigh of Altan and Moya Brennan of Clannad.

And so was born one of the most inspirational and heartening collaborations in traditional Irish music.

Tríona, Maighread, Mairéad and Moya, T with the Maggies, all come from the same corner of County Donegal (with Gaelic as their first language) and all have illustrious career histories. Each individual brings a unique and varied interpretation of their musical heritage but the result is one of the finest ever amalgamations of Irish female voices. They are real Celtic women!

Their first show in January 2009, at the Temple Bar Tradfest in Dublin, sold out immediately and they went on to perform at last year’s Irish Global Economic summit. A new recording of their repertoire favourite, Two Sisters, was commissioned by Sam Shepard, for his play, ‘Ages of the Moon’.

On the stage the ‘Maggies bubble with a mixture of instinctive tone, harmony and a generous helping of laughs. Each bring their choice of songs but mould them into the group with a unique soundscape of voice, piano, fiddle and harp. You can tell that they are the best of friends.

T with the Maggies is the group’s first album, combining over four decades of musical experience. With subtle arrangements, the album brings to the fore four voices that have shaped Irish traditional, folk and celtic music today.
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Tríona Ní Dhomhnaill: Vocals, Piano, Keyboards, Accordion, Whistle
Maighread Ní Dhomhnaill: Vocals, Yardstick
Mairéad Ní Mhaonaigh: Vocals, Fiddle, Hardanger Fiddle, Low Octave Fiddle
Moya Brennan: Vocals, Harp, Djembe
Manus Lunny: Guitar, Bouzouki, Programming
Jim Higgins: Addictional Percussion
(Low Octave Fiddle courtesy of Ciarán Ó Maonaigh)

1.Wedding Dress
2.Domhnach na Fola
3.Thugamar Fhéin an Samhradh Linn
4.Bíodh Orm Anocht
5.Mother Song
6.Ógánaigh Uasail
7.Cuach mo Londubh Buí
8.Ceol an Phíobaire
9.A Stór A Stór A Ghrá
0.Farewell Farewell
11.An Mhaighdeán Mhara

320kbps+covers

T WITH THE MAGGIES

ORACION A LA VIDA - ( Versiones) Raúl Mercado-Angel Ritro - [ARGENTINA]

ORACION A LA VIDA


Es un himno de nuestra época, sobre todo para los seguidores y coleccionistas de

Los Andariegos.

Como siempre contamos con la ayuda incalculable del maestro Raúl Mercado a quien

agradezco eternamente su paciencia.


Gestación de la obra.


En el transcurso del 74 y cuerpeándole a los cuarenta, con los sueños destrozados

ante el inconcebible y sangriento golpe de estado en Chile, con Cacho Ritro comenzamos a

gestar una canción, ambos impulsados por la inconturnable utopía del artista comprometido

con su pueblo. Así fue surgiendo cual una plegaria de esperanza, de paz y de justicia,

esta canción que con el tiempo, ya lleva una decena de grabaciones.


En el año 74, Canal 11 de la Televisión Argentina programaba un Concurso de la Canción.

Decidimos con Cacho presentarnos con ese tema recién concebido, que titulamos “Oración

a la vida”. Ambos encorajeados por los sucesos obtenidos en los concursos de la canción

programados por el Festival de Cosquin, en donde en 1972, Cacho Ritro ganó el primer

premio con la milonga “El Potro Mario”, sobre texto del Poeta de Ramallo, Leonardo

Castillo, interpretada por Cesar Isella, y yo era seleccionado con dos temas en 1973 :

“La Trunca Norte” , con música de Oscar Alem, interpretada por Los Huanca-Hua, y “Hacia

el surco”, con poema de Roberto Margarido, por Los Andariegos.


Tuvimos la suerte de ser seleccionados. Relataré algunos detalles importantes del transcurso

de dicho concurso. Uno de los temas seleccionado venía perfilado de ser como el ‘caballo

del Comisario’. Interpretado por un duo muy en voga en esos momentos y sus autores eran de

mucho peso, uno de ellos, co-autor de una canción conocida internacionalmente y el otro,

miembro de SADAIC.

Nuestra canción, representada por el joven y prometedor cantor José Angel Trelles, llegó

a la fase final.

La confrontación resultó de una inolvidable emotividad.

La decisión era tomada por el voto de los oyentes, mas el voto calificado de cinco

personalidades, disponiendo cada uno de ellos de cinco votos a su poder .


Una Sra. Miembro de jurado, conocida escritora y periodista, criticó Oración a la

vida por utilizar la frase: “Hablar de tí”. Argumentando que no era usual en la

canción popular ese tipo de expresión. Yo le respondí que mi padre era maestro

de escuela rural en los llanos de la Rioja y que nos trataba de ‘Tu’ . También dijo

no conocer la palabra: “espigó”. El gran Poeta Hamlet Lima Quintana, uno de los

miembros del jurado, replicó que “Era necesario cruzar la General Paz para conocer

el sentido de la expresión ‘espigar’…”


Todo indicaba que el triunfo de la canción ’favorita’ era inevitable, y cerca del

final, nuestro tema estaba con cuatro votos de retardo. Llegado el turno de la

votación de Hamlet, con su bella voz henchida de profunda convicción: expresó ;

« Sin lugar a dudas, mis cinco votos son para Oración a la vida! »

Ante la algarabía de todos nuestros amigos, ganamos el Concurso

por un voto de diferencia!


Raúl Mercado



A la cofradía Andariega, que me ayudó a recopilar versiónes (Andres Gomez - Piri Araoz - Carlos

Groisman - Alberto Rotolo)


www.losandariegos.dx.am

www.raulmercado.dx.am


A toda la Cofradía de Voces de la Patria grande.

http://vocesdelapatriagrande.blogspot.com.ar/


Se adjuntan, Partituras originales,una para voz y guitarra adaptada para José Angel Trelles.

a 6 voces realizada por Andres Gomez,letra en Frances,a pedido de (Angel Ritro)


Con mi admiración de siempre a Los Andariegos - MARIA ANTONIETA


TEMAS


01 - Oración a la vida - LOS ANDARIEGOS

02 - O. la vida- Perla Aguirre) Arreglos y dirección Pepete Vertis

03 - O. a la vida- Graciela Susana

04 - O. a la Vida-Grupo IIuman

05 - O. a la vida-Grupo Sur

06 - O. a la vida-Jorge Rojas

07 - O. a la vida - Roberto Guiet 2009

08 - O. a la vida - A.Piri Araoz

09 - O. a la vida (Hablar de ti)-Quimera

10 - O. a la vida Nahuel (Carlos Porcel de Peralta) y Alberto Caleris

11 - O. a la vida-R.Mercado-Flute indienne R.Lopez-D Loustau-H-Guerra

12 - O.A LA VIDA Los Andariegos en vivo en un asado en Río IV, Córdoba (1976).

13 - O.A LA VIDA R. Mercado-Vivo-con amigos- Francia solo con la guitarra

14 - O. a la Vida-Midi-arreglo 2-10-12 Por R. Mercado-para José Angel Trelles




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Eliseo parra - Tribus hispanas [España]

TRIBUS HISPANAS es un disco que recoge el espíritu de las viejas canciones tradicionales y de los bailes que la España profunda ha cultivado a lo largo de los siglos. Son las diferentes tribus que se establecieron en la franja central de la ‘península Ibérica, en CASTILLA, con sus ritmos y voces, las que han inspirado al compositor y cantante Eliseo Parra para realizar este precioso trabajo, junto a músicos de la talla de Javier Paxariño (artífice de la “nueva música” española) y Juan Alberto Arteche (componente del mítico Nuestro Pequeño Mundo

y productor del sello) quienes han llevado a la practica una labor de desbroce y adaptación al sonido que la música tradicional merece hoy en día.

Un disco para paladear tranquilamente y dejarse llevar por la propuesta del viaje hacia la ancestral sabiduría de las “TRIBUS HISPANAS

1 La llave de la alegría

2 Van por el aire

3 Suite del Rebollar

4 El silenci d´estimar

5 Por el azul de este mar

6 Noche tranquila y serena

7 El son del repique

8 Número 9

9 De trilla

10 Bella y pagana

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OTRO LINK

Ana Alcaide - La Cántiga Del Fuego (2012)[España]

Una creación nueva inspirada en la antigua tradición sefardí que habla de amores imposibles entre judíos y cristianos, de antiguas leyendas toledanas y del viaje de destierro de los sefardíes.
La historia de los judeo-españoles y su huella en la ciudad de Toledo impulsan a Ana para producir este disco de autor, con canciones nuevas marcadas por un estilo muy personal que ya definió en su trabajo anterior y que ahora amplia con mas sonidos y colaboraciones, ofreciendo una síntesis de estilos que busca los nexos comunes entre diversas culturas musicales.






1. El pozo amargo
2. Baila donde el mar
3. La cantiga del fuego-el viaje
4. Luna sefardita
5. Khun Caravan
6. La reina Ester
7. En el jardín de la reina
8. El agua del río
9. La cantiga del fuego- la canción
10. Ay que casas!
11. Mikdash intro
12. Mikdash
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Vamos andando caminos - Los Andariegos [Argentina]

Los Andariegos
“Vamos andando caminos…”

Nuestra música popular de inspiración folklórica es una roca dura de tallar. Cualquier 
persona medianamente familiarizada con esta música, sabe que no siempre los artistas 
logran identificarse totalmente con los elementos más característicos de aquello quellos que 
interpretan. Los menores detalles denuncian esa falta de identidad. Los dolidos cantos 

del norte o las románticas expresiones del litoral, en labios de intérpretes que por su 
formación y su origen pertenecen a otras regiones del país, suenan generalmente a cosa falsa, 
como cuando un cantante de ópera entona canciones populares. Es verdad que en sus 
interpretaciones habrá fidelidad absoluta a la letra; es verdad que en ella no faltará una 
sola de las notas de esas canciones, pero el espíritu de la música popular no está en la 
letra ni en las notas, está por debajo de todo ello y no se puede penetrar en su sustancia 
con sólo raspar con la uña. Hay que cavar bien hondo para que fluya el agua pura.

La moda siempre fluctuante, en estos últimos años, ha puesto a los productos del pueblo 
sobre la arena, y ha replanteado sus innegables valores. Todos han sentido la enorme fuerza 
de atracción de que están cargados tales productos, y se han acercado a ellos con las mejores 
intenciones, porque ellos les daban la posibilidad de una expresión bien diferenciada, de una 
expresión con personalidad. Lo "popular", proyectado sobre gentes o grupos de las más diversas 
extracciones sociales, de las más diversas formaciones culturales, produjo también los más 
diversos resultados. Sobre todo, produjo una inusitada proliferación de intérpretes que, como 
solistas o reunidos en conjuntos, comenzaron a disputarse y repartirse las preferencias del 
público. Entonces, fue el público el que tuvo que discriminar. Primero, con errores que lo 
llevaron a una ubicación equivocada frente a las expresiones auténticamente populares. Después, 
a medida que la experiencia se iba acumulando y convirtiendo en material informativo, poco a poco 
el público fue haciendo su elección, más definitiva, más madura. Las vidrieras de los bazares 
siguieron exhibiendo los "productos regionales", pero el ojo aguzado del público fue advirtiendo 
el verdadero origen de estos productos. Y en verdad, no es mucho lo que fue quedando.

Hace tiempo que "Los Andariegos" recorren los caminos del canto popular. Hace tiempo que el público 
los acompaña. Pertenecen a aquellos que han quedado. Mendoza los vio nacer y en ese centro de gravedad 
del Cuyo Argentino, se acunaron sus primeros fervores por la canción de todos. Cinco voces, guitarras 
y bombo, se largaron un día desde el trampolín de la Cordillera, con la única intención de abrevar en 
todas las fuentes de donde manara el lenguaje del pueblo. La tierra y el hombre fueron sus objetivos. 
Se propusieron penetrar en ellos para lograr los secretos de sus cantos y, lo que es más importante, 
para comprender cabalmente el motivo de ellos. No eligieron una región del país para expresarse en un 
idioma al que se creían mejor asimilados. Eligieron el país, con toda su variedad de idiomas musicales.

Este disco es un ejemplo de ello. Ahí está "Carita Morena", que es una típica zamba de acentos sureños 
junto a la vidala o el carnavalito. Ahí está la chacarera del centro, junto a la chaya. Están a través 
del filtro de un estilo que es especialmente propio de "Los Andariegos", un estilo que no recurre a 
efectos exteriores rebuscados; un estilo que siempre es representativo del sitio a que pertenece la 
canción que entonan, pero que, además, es representativo de cinco hombres que son proyección de otras 
emociones, sin dejar de ser ellos mismos, sin dejar de ser sus propias emociones. Son celosos guardianes 
de la integridad de una canción, porque esa canción responde a una realidad. No se dejan tentar jamás, 
apartándose de la esencia de los materiales. Pero como artistas dinámicos, constantemente introducen 
variantes a las formas para darles el sello de su estilo sin alterar su carácter. Es la famosa ley de
la "autocorrección" que siempre está latente en los productos de la creación popular y, gracias a la 
cual, la vida de esos productos siempre mantiene su frescura, merced a las variantes constantemente 
renovadas que los ocasionales intérpretes introducen.

Es difícil que escuchando a "Los Andariegos" a alguien se le ocurra que son hombres de Cuyo, cantando 
las cosas del norte, del centro o del sur del país. Como las piedras en el lecho del río, la esencia 
de sus cantos está en el fondo de sus voces viajeras.

Jorge Aráoz Badí.

Componen ''Los Andariegos": Angel Ritro, Rafael Tapia, Raúl Mercado, Abel González y Juan c. Rodríguez. 
Origen: San Rafael (Mendoza). Actuaciones: Radio Splendid, Teatro Astral, y T. V. desde el año 1956. 
Giras por el interior del país y por Chile.




Los Andariegos
“Vamos andando caminos…”
Sello tk - LD-90-081
Monoaural


01. LA DEJE PARTIR - Zamba (Arsenio Aguirre).

02. CHACARERA DE LOS NOVIOS (Carlos Di Fulvio).

03. MALAMBEANDO - Aires de malambo (Raúl Mercado).

04. AMO TU YANEI - Canción (F. Lecaros Sánchez).

05. VIDALA DE LA COPLA - Vidala chayera (Chango Rodríguez).

06. PASTORCITA DE AMANCAY - Chaya (Juan Carlos Speciali "Chito Galindo").

07. CARITA MORENA - Zamba (Quiroga - Juárez).

08. LA PLUMITA - Cueca norteña (Arsenio Aguirre).

09. LA ZAFRERA - Zamba (Armando Tejada Gómez - M.O.Matus).

10. VAMOS BURRITO - Canción norteña (Sorelo - Vidal).

11. LA TUCUMANITA - Carnavalito (Miro Dalma - E.Joubin Colombres).

12. VIDALA DEL NOMBRADOR - Vidala (E.Falú - J. Dávalos).


http://www.losandariegos.dx.am/ 

http://www.raulmercado.dx.am/

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Luar Na Lubre - Mar Maior (2012) [España]

Es destacable también la incorporación de la nueva voz del grupo. Tras la estela de Ana Espinosa y Rosa Cedrón, llega la dulce y personal voz de la lisboeta Sara Vidal, que confirma un aporte de frescura y nitidez a la nueva etapa de la banda; con la que ya lleva desde su incorporación en el año 2005, 4 CDs como vocalista: "Saudade", "Camiños da fin da terra", "Ao vivo" y "Solsticio".
12 trabajos discográficos, 9 de ellos editados por Warner España, más de 300.000 discos vendidos, 2 discos de oro, 9 Premios de la Música y 1.000 conciertos en más de 23 países confirman a Luar Na Lubre como la propuesta musical más consistente y estable de Galicia.

El año 2011, Luar Na Lubre es embajador musical de su tierra realizando más de 35 conciertos y llevando la marca “Galicia” por los mejores teatros y festivales del estado con un éxito más que notable.

La banda reemprende una nueva etapa en la que presentará por diversos escenarios a Paula Rey, la nueva voz que sustituye a la de la lisboeta Sara Vidal, una voz cargada de matices y de energía que combinada con la riqueza instrumental y estilística de la banda, no dejará indiferente a nadie.

La música medieval tiene en “Mar Maior” (Warner Music Spain), un importante protagonismo, sobre todo la galaico portuguesa, aunque también están presentes las músicas tradicionales gallegas y atlánticas, así como las composiciones propias que ayudan a elaborar una banda sonora inspirada en el Leabhar Ghabhala Eireann o Libro de las Invasiones de Irlanda, escrito por los monjes irlandeses en el siglo XII, siendo un libro de referencia de su historia, y que coincide con la época de máximo esplendor de la lírica galaico portuguesa. Un trabajo que recorre los viejos lazos de unión de Galicia con la verde Irlanda.




01. A Invocación De Amergín
02. Romance De Novembro
03. Ith
04. Camino De Caión
05. Gran Sol
06. Dona Alda
07. Santa María Loei
08. Leabhar Ghabhála
09. Mandad'ei Comigo
10. Ao Pasar Pola Coruña
11. Milesians
12. Canto De Arada
13. Les Sets Gotxs
14. Camiña Don Sancho

320k+minicovers

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Jerry Garcia and David Grisman - Shady Grove (1996-USA-Folk)

ACTUALIZADO!!

A lo largo de su vida, Jerry García tuvo un cariño constante por el banjo, el bluegrass, y la música de raíces populares. No sólo ayudó a dar forma al vasto repertorio de Grateful Dead, sino que también los llevó en varias excursiones musicales fuera de los Dead. Uno de sus colaboradores más consistente en sus aventuras extra-dead era el maestro de la mandolina y director de orquesta David Grisman.  Ellos formaron el núcleo del conjunto de corta vida pero influyente Old In the Way  en la década de 1970. Estas 13 canciones populares, encantadoras fueron sacados de numerosas sesiones de García-Grisman que tuvieron lugar en el estudio de Grisman entre 1990 y 1995, a menudo acompañado por Joe Craven en el violín y la percusión y Kerwin Jim en el bajo. García y Grisman sacaron estas canciones algunas de ellas bastante oscuras y de una variedad de épocas y géneros de América. Se incluye una versión viva de Mississippi John Hurt "Louis Collins," así como odas populares como "Casey Jones", "Whiskey in the Jar", y "The Handsome Cabin Boy". En todo momento, la música resultante es suave y sugerente, susceptible de atraer tanto a los neo-folkies y Deadheads de mente abierta. - Bob Allen

Jerry García y David Grisman pasaron gran parte de los 90 trabajando juntos en las grabaciones acústicas de folk, country y canciones de bluegrass. Después de la muerte de García en 1995, Grisman decidió iniciar la liberación de la cartera prodigiosa de la música que los dos habían acumulado, con nuevas versiónes que cubren diferentes generos de la música americana. La primera, es Shady Grove, se concentra en la gente y el bluegrass que fue uno de sus primeros amores musicales.

Shady Grove es la esencia de Jerry García, es la raíz de su árbol de muchas ramas, un conjunto claro de donde surgió su creatividad. Su dominio de la música popular va más allá de las palabras, esta grabación es simplemente maravillosa!

El Libreto ofrece una historia completa de cada canción que será de gran valor tanto para los estudiantes serios y oyentes casuales.

Personnel:

Jerry Garcia (vocals, guitar);

David Grisman (guitar, mandola);

Bryan Bowers (autoharp);

Joe Craven (fiddle, percussion);

Matt Eakle (flute);

Willow Scarlett (harmonica);

Jim Kerwin - (bass).

1. "Shady Grove" – 4:19

2. "Stealin'" – 3:31

3. "Off to Sea Once More" – 5:48

4. "The Sweet Sunny South" – 3:25

5. "Louis Collins" (Mississippi John Hurt)– 5:57

6. "Fair Ellender" – 6:05

7. "Jackaroo"– 4:02

8. "Casey Jones" – 4:07

9. "Dreadful Wind and Rain" – 4:46

10. "I Truly Understand" – 3:40

11. "The Handsome Cabin Boy" – 6:13

12. "Whiskey in the Jar" – 4:14

13. "Down in the Valley" – 4:59

Shady Grove