"Music from around the world inspired by working the land" is the subtitle for this nifty combination of hardcover book and compact-disc compilation. Most Ellipsis Arts...releases [are] worth worth buying, but in this instance the reasons for making the purchase include 15 wonderful pieces of music, extensive notes on music and harvest traditions for various countries, and even recipes. The music itself ranges from blues to Celtic to Chinese, with each piece somehow connecting smoothly to the next -- a remarkable piece of work when you consider the range of musical types and styles represented.
01. EXPRESION - Paras 02. LÁZARO ROS - Orishaoko 03. ALI FARKA TOURE - Karaw 04. SHANGHAI NATIONAL MUSIC ORCHESTRA - Bumper harvest celebration 05. FIDDLERS 5 - Harvest home 06. GNAWA MUSICIANS OF MOROCCO - Jellaba titara 07. ÑICO AQUITO - Al vaivén de mi carreta 08. MISSISSIPI JOHN HURT - Blue harvest blues 09. EFÉ PYGMIES - Méli-é 10. ALISON KINNAIRD & CHRISTINE PRIMROSE - Cailleach an dudain 11. PUEBLO INDIANS (SAN JUAN-NM) - Basket dance 12. PENA BRANCA & XAVANTINHO - Quebra do milho 13. ONO HANAKO & KAMATA KANSUI - Akita kusara uta 14. DAGARTI MUSICIANS - Kypellu 15. TSINADALI CHOIR - Kakhuri mravaljamieri
Baaba Maal es un musico senegales que nos acerca el continente africano con su personal sintesis de musica etnica africana y musica pop. Su album "Nomad Soul" (Alma de Nomada) es buena muestra de ello y merece la pena escucharlo
Nacido en la ciudad ribereña de Podor, en el norte de Senegal, un pueblo multicultural y punto de encuentro entre el mundo arabe y el africano, Baaba se anima a perseguir la carrera artistica, a pesar de no haber nacido dentro de la casta tradicional de musicos: griot. En su pais y otros circundantes, un griot es una mezcla de poeta, cantante, historiador, consejero y musico ambulante, considerado depositario de la tradicion oral, que actua con el espiritu de educar por medio del arte y promover el cambio positivo en la sociedad.
De joven se muda a la ciudad de Dakar para estudiar leyes, por insistencia de sus padres; sin embargo, se enfoca en la musica y comienza a trabajar con su amigo el cantante y guitarrista ciego Mansour Seck, hijo de una de las familias griot mas reconocidas; junto a el realiza un viaje por Senegal, Guinea, Mali y Costa de Marfil, aprendiendo la musica e historia locales. Al termino de su travesia se fue a Paris, para estudiar en el Conservatorio de Bellas Artes, y en 1983 graba su primer album Djam Leelii.
Maal regresa a Senegal y forma una banda llamada Dande Lenol (La voz del pueblo), donde combina instrumentos de occidente como guitarras y teclados, con instrumentos africanos tradicionales: la kora (especie de arpa africana de 21 a 25 cuerdas), el hoddu, el n'goni y el balafon.
Profundamente orgulloso de sus raices, insistia en cantar en pulaar, el lenguaje de su grupo etnico Fulani, en lugar de hacerlo en wolof, la principal lengua de Senegal. Sus composiciones tienen una fuerte influencia de la musica Yela (que imita el sonido producido por las manos de las mujeres cuando aplastan los granos), estilo similar al reggae de Jamaica. Privilegiado con una de las voces mas finas y distintivas en Ãfrica, el ruiseñor se ha convertido en una figura clave, en la difusion de la musica del continente en todo el mundo, con trabajos como Kettode & Sangoul (2006), The Best of the early years (2003), Missing you (Mi yeewnii) (2001), Live at the Royal Festival Hall (2000), Jombaajo (1999), Nomad soul (1998), el exitoso Firin' in fouta (1994), Lam Toro (1992), y su disco debut Djam Leelii grabado en 1983, pero editado en Londres en 1989.
Ha sido embajador del Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo, desde julio de 2003, y es un activista comprometido en la lucha contra el VIH/SIDA y la pobreza en su continente: Ãfrica enfrenta serios problemas pero aunque sea dificil de creer aun tenemos fe. Y la musica es parte de esa fe, afirma el artista, quien fiel a sus tradiciones ha utilizado su posicion para influir positivamente en su audiencia.
Maal interpreta el Himno Nacional de Senegal, en el partido de la Copa Mundial de Futbol Corea-Japon 2002, donde su seleccion derrota a la escuadra de Francia; en 2003 participa en el concierto Vivir y dejar vivir, celebrado en ocasion del Dia Mundial de la Lucha contra el SIDA, en la Catedral St. John the Divine, en Nueva York, y canta en Oslo, Noruega, en 2004, en la gala del Premio Nobel de la Paz, otorgado a la ecologista keniana Wangari Maathai, primer mujer africana en recibir el galardon.
Vladiswar Nadishana is a multi-instrumentalist, composer and producer from Siberia, who creates his own unique and innovative approach to world fusion music - the creative synthesis of different musical traditions of the world on the basis of contemporary technologies. He plays on more than 200 instruments of the world, including self-created ones.
He elaborated the unique playing technique on each of his instruments and his own approach to advanced digital audio editing called "sound microsurgery". http://nadishana.com/index.php/en/bio
Vladiswar Nadishana and David Kuckhermann have been fellow musical travelers for many years. In their new Duo project they combine a creative approach to hang and handpan playing with musical influences from ancient Kuzhebar. The result is a journey to a place far away from musical chliches and conventions, strange and beautiful. http://hangduo.bandcamp.com/
1. Inflected Inception 8:58 2. Halo - Duclar duo 7:38 3. Koh Kin Solo 5:35 4. Sound of Viborg 7:19 5. Khubananukh 8:56 6. SpB Handpan solo 5:39 7. Riq Solo 4:36 8. Jumping in Cycles 5:38 9. BONUS: Voise of the Fallen Angels 9:10
El grupo EGSCHIGLEN (“Preciosa melodía”) fue fundado en 1991 en la capital de Mongolia, Ulaanbaatar como una parte de un teatro de cuentos de hadas y mitos con el propósito de mantener viva y desarrollar la cultura tradicional de su pueblo. Los músicos estudiaron juntos en la misma clase del Conservatorio de Ulaanbaatar desde 1984 hasta 1991. Son unos virtuosos con sus instrumentos y sus voces. Egschiglen cantan e interpretan musica tradicional de Mongolia. Usan instrumentos de cuerda típicos de su país y cantan en estilo 'khoomili', canto especial de laringe en el cual la misma voz produce tonos altos y bajos al mismo tiempo. La música de EGSCHIGLEN impacta por la virtud de su variedad y gracia. Ellos interpretan canciones tradicionales y trabajos de compositores mongoles contemporáneos con sus finos arreglos de tonos. Sus piezas a menudo son músicas de cámara de calidad y transparencia con un poder fascinante. Casi puedes oír el sonido de las patas de los pequeños y toscos caballos mongoles de Genghis Khan cuando fundó el más grande imperio de todos los tiempos. Y entonces de nuevo la música nos lleva al limpio silencio del desierto de Gobi, donde solo el viento canta en las dunas. http://espiritudelsur.com/artistas/egschiglen-mongolia/
En su largo y paciente camino por encontrar una nueva forma de entender la música popular griega, Stassinopoulou y Kalyviotis han dado otro paso más. Por un lado, han desarrollado el material de este disco sin compañía: trabajo de campo, composición, arreglos e interpretación corren por cuenta exclusiva de la pareja. Por el otro, han confeccionado trece temas basados en piezas tradicionales para reflejar sus experiencias urbanas.
Cada una de las canciones es originaria de una isla o de una región helénica y nuestro inquieto dúo ha añadido detalles propios (efectos electrónicos, voces de gaviotas o capitanes de barco, ecos de campanarios, un harmonium...) que confluyen en una música meditativa, íntima, con capacidad para recrear paisajes sonoros. Viejas canciones de marineros, de pescadores o de pastores toman nueva forma, a partir de la voz de Stassinopoulou y el lauto de Kalyviotis, transformándose en la lenta tensión de Anamesa Nissirou, con una melodía triste y resignada, o en la deriva rítmica de Rodo Tis Protanastasis, con una línea de bajo insistente y efectiva. Destacan también Halassia Mou, una canción de la zona de Epiro que habla del amor ausente, o To Ponemeno Stithos Mou, una dramática lamentación procedente de la costa egea. Combinando una mínima instrumentación, su visión contemporéna del arte y un amor apasionado por su cultura ancestral, Kristi Stassinopoulou y Stathis Kalyviotis consiguen forjar un sonido único y propio, original y hermoso.
Kodo, es un grupo de percusion japonés de renombre mundial, también conocido como Heartbeat Drummers of Japan, ha colaborado con Tomita y el grupo Kusillaqta de América del Sur en este álbum que contiene piezas de Zaldívar y Villa-Lobos, junto con música original de Tomita inspirado en el misterioso sitio Andino de Nazca.
Isao Tomita nos cuenta: Kodo me invitó a quedarme en Kodo Village en la isla de Sado. Me alojé allí por una semana en Izumi Guest House trabajando en la música para el nuevo álbum. Lo que he intentado primero fue mantener la mente totalmente abierta para alinearme con las intenciones de Kodo. Sin embargo, pronto, las ideas empezaron a surgir de mi mente cuando pasé algún tiempo con Kodo, yo estaba totalmente encantado por el mundo fascinante del ritmo que crea Kodo. Los Tambores tradicionales japoneses, "wa-daiko," se han utilizado en rituales sintoístas desde tiempos antiguos, y su sonido evoca el sonido de la tierra, y en un grado más amplio, el sonido del universo.
La música de Kodo está generalmente compuesta por el ritmo de los tambores y por lo general la armonía no existe en su música. El estilo musical de Kodo es exótico en la forma en que excluye la armonía europea. Yo estaba un poco nervioso de como mi música saldría con Kodo, mis imágenes musicales estan siempre acompañados por una cierta armonía. Todos estábamos contentos con el resultado, siento que mis armonías en el sintetizador con la música de Kodo han conseguido captar el universo.
Kusillaqta del Perú se unierón a nosotros con la quena y la zampona para este álbum. Cuando viajé por todo el Perú, Lima, Nazca, Cusco y Machupicchu, me subí en un carro en la montaña y escuché al Indio-haciéndose eco con la flauta a través de los Andes. La flauta hizo eco de una manera mística que muestra un patrón lineal que llega al espacio exterior....Isao Tomita http://www.isaotomita.net/recordings/nasca.html
1991 es el año en que comienza a solidificarse su entidad como grupo. El sello Silence, dedicado principalmente a la música folk sueca les contrata para editar su segundo álbum en 1992 titulado Kaksi! (Dos, en finlandés). Es entonces cuando entran en escena las cantantes finlandesas Sanna Kurki-Suonio y Tellu Paulasto, quienes confieren al grupo un sonido vocal adecuado para su propuesta sonora. Ambas, educadas en el canto tradicional de la región rusa (antes finlandesa) de Karelia, despliegan una maestría a la hora de cantar aportando al grupo ese vínculo con lo ancestral que siempre había buscado. Muchas de las canciones tradicionales provienen de Karelia y están relacionadas con antiguas leyendas finlandesas cuyas trazas se remontan a la tradición del Kalevala o canto rúnico (del finlandés runo, "canto"). De ahí, el título en lengua finlandesa de su segundo trabajo. Kaksi! supone un hito musical en ese momento, dándose a conocer a través de los medios por el llamado "fenómeno Hedningarna". Este trabajo, con temas de ritmo trepidante les hará merecedores de un Grammy sueco al año siguiente (1993) por el mejor disco folk del año. Posteriormente, el quinteto va peregrinando por diversos festivales como el de Roskilde cosechando un éxito arrollador pese a la pequeñez del escenario y la poca afluencia de público. Wikipedia..
01. Juopolle Joutunut 02. Kruspolska 03. Vottikaalina 04. Chicago 05. Viktorin 06. Aivoton 07. Fulvalsen 08. Pål-Karl 09. Kaivonkansi 10. Skamgreppet 11. Grodan/Widergrenen 12. Omas Ludvig 13. Kings Selma
En mayo de 2000 Evanthia lanzó el album que lleva el título "Mikres Istories", otro disco instrumental, una magnífica pieza de música pura, donde el lirismo se hace realidad. Eleftheria Arvanitaki canta dos de las canciones, con letras de Lina Nikolakopoulou y Elena Zioga, mientras que la soprano Mariana Rigaki canta un aria.
01. Kalokerini Vrohi 3:24 02. Ehe Gia 4:00 03. Giati Giati 4:08 04. Proini Prosefhi 3:15 05. To Taxidi Tis Epistrofis 3:01 06. Me Tin Plati (Orchestral) 3:20 07. O Kathreptis Tou Ouranou 2:37 08. Mikres Istories 2:40 09. Kokkini Klosti Demeni 3:23 10. Aroma Vanilias 4:16 11. Me Tin Plati (Orchestral) 3:2
Nacida en Egipto de padres griegos, Alkistis Protopsalti tiene una de esas voces absolutamente maravillosas, con la que es capaz de adentrarse en los géneros más diversos con una solvencia que está al alcance de unos pocos privilegiados. Una voz que parece descender directamente de los dioses del Olimpo, como si saliera de unos tiempos legendarios, clásicos, cincelada según los más puros cánones del clasicismo a los que dieron forma, entre otros, Fidias y Mirón. El público griego le ha concedido, con total merecimiento, el estatus de diva musical, con todo lo que ello conlleva tras de sí, honor al que Alkisitis ha sabido responder con lo mejor de su talento.
La voz va acompañada de una gestualidad que tiene mucho de teatral, en el sentido de estar llena de matices, de contenidos que sólo por medio de la expresión corporal se puede transmitir al espectador atento, dejando el alma en cada canción, en cada estrofa. Letras detrás de las cuales se esconde en muchas ocasiones, la poetisa Lisa Nikolakopoulou, en una de esas colaboraciones de una fertilidad extraordinaria.
En Alkistis se reúnen las tradiciones del Asia Menor, lugar de origen paterno, y de la isla de Chios, de donde era originaria su madre, a lo que se unen los años pasados en la ciudad egipcia de Alejandría, de la que nuestra cantante recuerda "el olor del mar, las puestas de sol, el murmullo de las palmeras, los pescadores con sus redes, el tranvía, los dulces, los viajes en coche al Sahara". Elementos que le servirán a Alkistis para desarrollar la peculiar sensibilidad que se recoge en sus canciones. Fuente
1 IPARHI ENA FOS MAKRIA 2 MIA MERA HARA 3 APERADO KENO 4 TELEFTEA FORA 5 ELA YIA LIGO 6 TA KORMIA 7 I GI HORIS ESENA 8 O PARADISOS BORI NA PERIMENI 9 PAME HAVAI (IT'S A PITY) 10 STO OREOTERO SIMIO 11 ANAPODES STROFES 12 S' ENAN KOSMO POU DEN KANI KATI YIA MAS (THEY DON'T CARE ABOUT US)
Para Palya Bea la música folclórica húngara ha sido una experiencia decisiva desde su infancia. Ella escribió una vez: "Como músico y como bailarina he estado anhelando, tal vez ya en el vientre de mi madre, que estaba en sintonía con sus latidos, para un cierto conocimiento sobre los ritmos en mi cuerpo, en mi voz, para mejorarlos, y utilizarlos de manera creativa". http://palyabea.hu/en/bio
Chen Min Nacio en Suzhou en la provincia de Jiangsu, aprendio a tocar el erhu con su padre a la edad de seis años, y se mudó a Japón en 1991 para estudiar la cultura japonésa. Después de su graduación ella comienza oficialmente su carrera como artista intérprete del Erhu. Su primer album "I Wish", comenzó con la tendencia de la música china y el boom del erhu. En el año 2003, recibió el premio especial de los "17th Annual Japan Gold Disk Awards".
Chen Min toca el Erhu un instrumento chino de dos cuerdas similar a un violín. La música es una mezcla maravillosa de este fabuloso instrumento de cuerda y los instrumentos occidentales como el piano, la guitarra, el violín, el violonchelo, el contrabajo, la percusión, etc, La música de Chen Min une la elegancia oriental y la occidental.
Chen Min toca el Erhu con habilidad y pasión. Se siente como si el artista y el instrumento sean uno. escuchando el album se podría pensar que ella ha llegado a los límites de su instrumento. pero con una habilidad pasmosa, te sorprendera porque te llevará a un nivel completamente nuevo. Creo que hace con el Erhu lo que Yo Yo Ma hace con el violonchelo.Su música es increible y maravillosa.
1 Tsubame Ni Naritai 4:26 2 KizunaChen 4:43 3 Nisen Eigetsu 6:05 4 Konan No Kaze 5:42 5 Namino Kanatani 4:29 6 The Eternal Vow 3:13 7 Asian Waltz 3:33 8 Hatenaki Omoi 4:31 9 Tsubame Ni Naritai 5:08
Continuación a su premiado debut de 2005, “Mar a tha mo chridhe” (Así es mi Corazón) la cantante de las Hébridas edita el luminoso “Cuilidh”, nombre gaélico que significa tesoro o lugar secreto para esconder cosas de valor. Como siempre, las canciones y melodías provienen del folclor histórico de su nativa North Uist en las islas Escocesas del Oeste. http://www.elcohete.com/juliefowlis.htm
Julie Fowlis es una intérprete de música celta originaria de Escocia (Reino Unido), que canta principalmente en gaélico escocés. Fowlis creció en North Uist, una isla de las Hébridas Exteriores, una comunidad de mayoría gaélico hablante. Desde muy pequeña, se involucró con la música tradicional y aprendió a cantar, a bailar y a tocar la gaita. En 2012 participa en dos temas de la banda sonora de la última película de los estudios Pixar, Brave http://www.juliefowlis.com/
Mar a tha mo chridhe is the début music album by Scottish musician Julie Fowlis. It is sung entirely in Scottish Gaelic, and the album title means As My Heart Is.
Julie Fowlis – Vocals, Highland Pipes, Flute, Whistles Muireann Nic Amhlaoibh – Vocals Eamon Doorley – Bouzouki, Fiddle Iain Mac Donald John Doyle - Guitar
Urna Chahar-Tugchi nació en el seno de una familia de ganaderos y agricultores de las tierras de Ordos al suroeste de Mongolia. Hoy Urna es una de las vocalistas femeninas más reconocidas de Asia. Desarrolló su instinto y talento musical mientras aprendía el Yangqin (equivalente al dúlcemele chino) en Hohhot, la capital de Mongolia interior, con un profesor del Conservatorio de Música. A los 18 años decidió dejar Mongolia para estudiar en el Conservatorio de Música de Shangai –una decisión valiente ya que por entonces, no hablaba ni una palabra de chino mandarín y su familia conocía muy poco de Shangai- y Urna se encontró solo en su nueva ubicación. Con este movimiento, la vida y la carrera de Urna cambiaron rotundamente.
Urna, junto con la cantante de Tuva Sainkho, son reconocidas por la critica musical internacional como las dos “Divas asiáticas”. Urna tomó posición dentro de la música del mundo en Europa cuanto obtuvo el premio alemán Ruth a la mejor artista internacional.
Posee la habilidad de comunicar con su audiencia a través de su música porque traspasa las barreras lingüísticas y culturales con su dinámica y altísima voz. Muchas de sus canciones evocan la inmensidad de las praderas de Mongolia y describen la forma de vida en su país, sus actuaciones son inolvidables para los que conocen y participan de su música. Algunos definen la forma de cantar de Urna como una experiencia religiosa, a pesar de que su música no necesariamente habla de religión, lo explica así: “Interpreto mis canciones con toda mi vida y mi energía; y siento como si volviera a nacer después de cada concierto”.
Mientras Urna continua con la música y las raíces de su país, también la lleva en otras direcciones. Sus últimas composiciones están salpicadas de libertad e improvisación inspiradas por sus recientes experiencias con otras músicas y culturas y en sus vivencias fuera de Mongolia. Con su música, tan poco convencional Urna ha colaborado con muchos artistas de reconocimiento internacional entre los que destacan: el violinista húngaro Zoltan Lantos, Ramesh Shotham de la India, Muhammud Reza y Saam Schalamminfer de Asia central o el fantástico acordeonista polaco del grupo Kroke Jerzy Bawol. http://urna.com/joomla/ http://espiritudelsur.com/artistas/urna-ensemble-mongolia-hungria-iran/
En Septiembre de 2.007 Hevia editó su último disco “Obsessión”. Un trabajo en el que además de los sonidos de la gaita acústica y la flauta, ganan protagonismo sonidos novedosos creados por el propio artista y expresados a través de su gaita midi. Aunque a lo largo de su trayectoria, Hevia se ha inspirado en sonidos tradicionales que combinaba con modernidad, en este álbum las melodías de composición propia cobran más relevancia.
En sus discos siempre ha habido colaboradores coherentes con su discurso. En Obsessión, el Coro Minero de Turón aporta una increíble y emocionante fuerza en Albandi. El gran músico Ramón Prada orquestó a la Orquesta Sinfónica de Ciudad Real que interpretó magistralmente la cuerda del disco. En Keltronic está presente el particular sonido de la excepcional Judith, una violinista celta de Cuenca. En The Morning Star, Carlos Aragón, uno de los luthiers de Hevia, Parrado y Aragón, aporta la magia de la uillean pipe. Faltriqueira suma intensidad con sus bellas voces en Carrandi. Joaquín Torres interpreta excelentemente la guitarra en Taranus.
El último tema “Lluz de Domingu”, es el tema central de la pelicula de José Luis Garci “Luz de Domingo”. En esta película, además, Hevia hace un cameo. Aparece tocando la gaita en una procesión al comienzo del largometraje. http://blog.hevia.es/?p=18
01. Albo 02. Albandi 03. Obsessión 04. Los mártires de Rales 05. Vueltes 06. Carrandi 07. Soy pastor 08. Keltronic 09. Morning star 10. Keltic brass 11. Taranus 12. Lluz de domingu
Lo´Jo, agrupación radicada en Francia y uno de los grupos de "fusión global" más prestigiosos del mundo, celebra sus treinta años de carrera con la publicación del álbum Cinéma el Mundo (2012). Quince piezas que son "la proyección de la vida en la gran pantalla. No el mundo de la música sino un mundo lleno de imágenes, colores, sonidos e historias".
Fundada en Anger (una apacible región situada en el lado occidental de Francia) por Denis Péan y el violinista Richard Bourreau, desde 1982 Lo´Jo desarrolla un proyecto a base de chanson francesa, dub reggae, sonidos arábigos, africanos y balcánicos con una sensibilidad poética y jazzística.
Cinéma el Mundo es su decimotercer álbum, y recoge las experiencias vividas en sus viajes por el amplio mundo: desde el sur del Sahara -donde organizaron la primera edición del Festival del Desierto en 2001 y sirvió para lanzar a los tuareg Tinariwen-, al Cáucaso, Isla de Reunión (Océano Índico), transitando por las ciudades de varios continentes, urbes como Agadir, Adelaide, Chicago, Nueva York, Buenos aires, Katmandú… Como indica su título, el disco es una presentación de la vida a ritmo cinematográfico en una producción única, con un arreglo de sonidos que captan el brillo melódico y la calidez de los ritmos de todo el mundo, así como la ternura de sus letras, y la profundidad de una poesía que se remonta al eco de los tiempos. Súmese a esto la perfección de voces e instrumentos, y las contribuciones de artistas como Robert Wyatt, Vincent Segal e Ibrahim de Tinariwen.
Piezas luminosas, ritmos cálidos, melodías que envuelven la poesía de las palabras… El resultado: un disco inolvidable.
01. At the Beginning 02. Tout est fragile 03. La Marseillaise en créole 04. Deux Bâtons 05. Magnétik 06. Au temps qui passe 07. Cinema El Mundo 08. Zetwal 09. Alger 10. Lila 11. El cabo blanco 12. Comète algébrique 13. Vientiane 14. African Dub crossing The Fantôms of an Opera 15. Au début
Taraf de Haïdouks es un conjunto musical romaní, originario de la comuna de Clejani, del distrito Giurgiu (judet) en Rumania. Es el grupo más célebre del género en la era postcomunista.
Son conocidos en su Rumania natal como "Taraful Haiducilor". Su traducción cuasi literal sería "Banda de los hombres malvados o fuera de la ley", aunque "taraf" es también el nombre tradicional de un grupo de lautari (músicos gitanos de la tradición rumana). "Haiduc" o "haiduk" es una palabra de origen búlgaro, que significa "bandolero"; en rumano tiene una connotación arcaica o rústica. El nombre del grupo es conocido internacionalmente como "Taraf de Haïdouks" (construcción genitiva francesa).
La agrupación se formó en 1989, poco antes de la muerte del dictador Nicolae Ceausescu, pero actualmente fueron descubiertos por el etnomusicólogo rumano Speranta Radulescu, quien primero los grabó en 1983 para el archivo del Instituto de Etnografía y Folklore. La formación original reunía cerca de 12 músicos; a veces suelen incluir algunos más llegando a tener 30 artistas en sus filas. El primer encuentro serio con el mundo occidental se llevó a cabo gracias al etnomusicólogo suizo Laurent Aubert y los músicos belgas Stéphane Karo y Michel Winter. http://es.wikipedia.org/wiki/Taraf_de_Ha%C3%AFdouks
En 2001 se unieron a la orquesta de vientos macedonia Koçani Orquestar para editar el disco “Band of Gypsies” (Crammed Discs), donde sintetizan esa irrepetible combinación de sonidos que recorren los Balcanes desde el Adriático hasta Turquía, con secciones de brass funky y ritmos modernos que se entremezclan con el folk centroeuropeo. http://www.fronteramusical.com.ar/notas/taraf-de-haidouks.html
Los nombres históricos del grupo: Nicolae Neacsu ("Culai"), violín y voz, murió en septiembre de 2002 Dumitru Baicu ("Cacurica"), pequeño cymbalom y voz, murió en septiembre de 2007 Ion Manole ("Saica" ou "Bosorogu"), violín y voz, fallecido Ilie Iorga, voz, originario de Mârsa cerca de Clejani Paul Giuclea ("Pasalan"), violín y voz, originario de Mârsa Constantin Boieru Lautaru ("Costica"), violín y voz, originario de Mârsa Gheorghe Anghel ("Caliu"), violín Gheorghe Falcaru ("Fluierici"), flauta, contrabajo Marin Manole ("Marius"), acordeón Ionitsa Manole, acordeón
Integrantes invitados ocasionalmente: Constantin Sandu ("Dinu"): pequeño cymbalom y voz Florea Pârvan: contrabajo, acordeón y voz Marin Sandu: ("Tagoi"): contrabajo, acordeón y voz
Discografia: 1994: Honourable Brigands, Magic Horses and Evil Eye 1994: Gypsy Music from Romania 1998: Dumbala Dumba 1998: Musiques des Tziganes de Roumanie 2001: Band of Gypsies 2007: Maškarada (sobre reinterpretaciones de la música rumana de Béla Bartók).
Estas mujeres de tez blanquecina probablemente sean el elemento más exótico de un verano musical que apuesta por los trópicos. Representan la nueva ola de Finlandia, un país independiente desde hace menos de un siglo, de cuyos habitantes se dice que son los latinos de Escandinavia. A partir de las tradiciones de unas tierras cercanas al círculo polar, el grupo Värttinä ha logrado crear una música original y apasionada.
Värttinä, cuyo disco, Aitara, ocupó durante meses las listas europeas de música étnica. Värttinä, vieja palabra que designa el huso de una rueca "tiene que ver con la mujer y va bien con la música que hacemos, que gira muy rápido", dicen riendo, se fundó hará unos doce años en un pueblecito de Karelia. "Unas chicas se reunían para leer poemas y cantar canciones tradicionales. Más adelante pidieron a varios instrumentistas que les acompañaran", cuenta Sirpa Reiman, una de las cuatro vocalistas del grupo. "De acuerdo con las costumbres de hace cien años o más, mujeres y hombres solían cantar por separado. Las canciones cumplían una función, social. Las mujeres cantaban mientras lavaban la ropa y los hombres no se ocupaban de las tareas domésticas. Desde entonces las cosas han cambiado mucho", explica el violinista Kari Reiman. "Aquello tenía que ver con nuestra tradición del Kalevala, un tipo de poesía y una manera de contar historias, de instrumentos como el kantele [una especie de arpa de cinco cuerdas] y escalas pentatónicas, que, bajo el dominio de los suecos, se mantuvo tan solo en Karelia".
En cada entrevista surge inevitablemente el nombre de Karelia. Y les toca dar una clase de geografía e historia. Se lo toman con buen humor. "Es una región al este de Finlandia. Tras la Segunda Guerra Mundial, se trazaron nuevos límites, y una parte de ella, la más extensa, quedó dentro del territorio de la Unión Soviética. Pero la gente mantuvo su idioma. Ahora que la frontera está abierta, estamos más, en contacto unos con otros.
De Karelia viene esa extraña forma de cantar que Värttinä está llevando por el mundo. "Sari, la fundadora, quería que las chicas cantasen alto y fuerte y así precisamente cantaban las mujeres antaño. Estamos marcadas por voces como las búlgaras, por el setu estonio [armonías disonantes con intervalos de segunda y cuarta] o el róntyska ingrio [que se canta al unísono]. Finlandia ocupa una posición privilegiada, porque tenemos influencias de Oriente, de Occidente y del Sur". http://elpais.com/diario/1995/07/02/madrid/804684261_850215.html
The Great Greek diva Alkistis Protopsalti and Goran Bregovic, Greece and the Balkans united by music. The fusion of Alkistis' voice interpreting Balkan songs in Greek tradition and instrumental base half-Balkan half-Greek. The result is a delight for the senses. The combination of this union in this album achieves a stunning level of transmission. I hope you enjoy it.
My next album was a significant milestone on my musical journey. It was summer and a friend of mine, Costas Cotoulas, suggested that I see Emil Kusturitsa’s film “THE TIME OF THE GYPSIES” mainly to hear Goran Bregovic’s songs and music. It was love at first sight. The experiences we lived through with the gypsies are unforgettable. Their unconventional way of life, their inconsistency, their nonexistent professionalism all faded as soon as they entered the studio.
Their passion, energy and talent not only flooded the recording studio but also our hearts. Goran Bregovic is charismatic. So is Lina Nikolakopoulou whose lyrics achieved the absolute in expression. Aristidis Moschos playing the sandouri in his orchestra perfectly blended the Greek and the Gypsy souls. Sealing this collaboration Moschos gave me the song SAGAPO GIATI EISAI ORAIA which he had written many years ago for the sole companion of his life, Mrs. Angelika.
En una entrevista Alkistis Protopsalti dice: Mi álbum Paradextika fue un hito importante en mi viaje musical. Era verano y un amigo mío, Costas Cotoulas, me sugirió que viera la película de Emir Kusturica "El tiempo de los gitanos", principalmente para escuchar las canciones y la música de Goran Bregovic. Fue amor a primera vista. Las experiencias que vivimos a través de la musica de los gitanos son inolvidables. Su forma no convencional de la vida, su inconsistencia, su inexistente profesionalidad todo se desvaneció tan pronto como entramos en el estudio. Su pasión, la energía y el talento no sólo inundaron el estudio de grabación, sino también a nuestros corazones. Goran Bregovic es un personaje carismático. Lina Nikolakopoulou con sus letras ha logrado la absoluta belleza en la expresión. Moschos Aristidis tocando el sandouri con su orquesta, combinan perfectamente el griego y las almas gitanas.
Y un día, la botánica amorosa hizo florecer una voz finita finita. La voz finita que está detrás del disco Arbola. Arbola es un soundtrack que hay que tratar con cariño. Llevarlo al campo. Hacerlo sonar sobre el pasto, bajo el sol, o de noche, bajo las estrellas. Un disco perfecto para primaverear. Para esperar que llegue el calor, pollerita blanca a la sombra, pies descalzos. Para que desde atrás, o desde el fondo, suenen también los pájaros. Es un poco triste, sí. Por eso es mejor hacerlo florecer al aire libre. Arbola es el primer disco de Melina Moguilevsky y tiene, por ejemplo, esta canción, que dice esto:
“Por los campos va la niña perdida en la dicha por los campos va la niña amarilla ... Con los ojos más ligeros va la niña ... Va la niña y ella no sabe que la tarde será del río.”
Y hay más. La voz finita finita también aparece en Imantás:
“El tiempo se fue se fue de mí doy gracias que mi voz se quedó aquí en mí y en ti ... Doy gracias que vos te quedaste en mí en mí.”
